5 Erros Comuns Cometidos Por Fotógrafos Iniciantes

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1. As cores são muito fortes ou não são realistas

Cores fortes e irreais são frequentemente uma escolha criativa de fantasia. Porém, há uma diferença notável entre quando isto é feito de propósito por experiência, e quando isto é feito por falta de conhecimento ou por um gerenciamento ruim das cores.

A primeira coisa que você precisa é um bom monitor com as cores calibradas. Sem isso, você estará trabalhando cegamente em suas imagens. Eu vejo fotógrafos compartilharem imagens que parecem boas na tela, mas que parecem estranhas para todos os outros. Isto é porque o monitor é o problema. Como você pode retocar uma imagem se você não puder ver as cores ou tons verdadeiros?

Também há uma tendência comum de novos fotógrafos tentarem fazer suas fotografias parecerem pinturas. Mais uma vez, isto pode ser bem feito, mas da forma que eu geralmente vejo ser feita, é quando as pessoas aumentam demais a saturação. Isso pode fazer as cores se destacarem mais em um monitor e serem mais notadas no Facebook, mas isso só faz a imagem parecer falsa. Em uma impressão, as cores vão ficar ainda mais extremas do que ficam em um monitor. Quando você imprime imagens com cores naturais e súbitas, essas cores ficarão incríveis e muito mais fortes do que você imagina. Este visual às vezes pode ser difícil de notar no monitor.

 

2. As fotos não são precisas o suficiente

Um borrão intencional pode ser maravilhoso, mas para ser um bom fotógrafo, você precisa ter controle de sua precisão. Se você estiver fazendo um retrato, os pontos focais devem ser nos olhos. Os olhos precisam ser as partes mais nítidas de sua imagem, e não o nariz ou a orelha. Além disso, preste atenção no foco na parte de trás em certas situações. É aí que o foco da câmera irá errar aquilo em que você está mirando e ao invés disso se focará no fundo.

Para conseguir precisão e reduzir o movimento da câmera de mão, a sua velocidade do obturador precisa estar pelo menos um grau acima de seu comprimento focal. Então, se você estiver com uma câmera full fame com uma lente de 50 mm, a velocidade do obturador precisará ser pelo menos 1/50 de segundo (e provavelmente um pouco mais rápido para ter certeza). Em um sensor APS-C, uma lente de 50 mm seria o equivalente de uma lente de 80 mm e em câmeras micro-4/3, isso seria o equivalente a uma lente de 100 mm, precisando de uma velocidade do obturador de 1/100. Se você estiver congelando o movimento, você precisa de uma velocidade do obturador ainda mais rápida.

3. A composição está errada

Se você for Garry Winogrand, então você pode mexer em suas imagens de propósito para dar aquele efeito enérgico. Porém, eu notei que muitos fotógrafos sofrem para manter suas imagens retas. Olhe pelo visor e encontre um quadro de referência para endireitar a sua imagem. Talvez seja um poste, ou uma calçada, ou uma árvore. Preste atenção em quando a câmera pode estar um pouco para baixo no lado direito ou esquerdo. Com frequência será consistentemente o mesmo lado para você, e esta é uma tendência que precisa ser desaprendida. Algumas pessoas nem notam que suas imagens estão bem tortas quando estão editando. Notar e consertar este pequeno defeito pode fazer uma diferença enorme.

4. Não está perto o suficiente

Robert Capa disse uma vez, “Se as suas fotos não forem boas o suficiente, é porque você não está perto o suficiente”. Não se distancie demais, como se fosse um atirador. Aproxime-se e use lentes de ângulos maiores (grande angulares). Isto pode funcionar para retratos, paisagens, ou qualquer outro tipo de fotografia. Às vezes, é melhor se aproximar e capturar o que é mais importante de uma cena maior no enquadramento, mas com pouco sentido.

5. O contraste, a exposição, os níveis de preto e branco estão errados

Os tons gerais de sua imagem são vitais, e você precisa melhorar o seu trabalho com o contraste, exposição, níveis de preto e destaques. Sempre tente conseguir uma exposição o mais próximo da perfeição possível em sua câmera. Eu sei que você pode consertar isso depois, e frequentemente você consegue fazer bem isso, mas não é a mesma coisa que conseguir fazer isso certo com a câmera. Além disso, veja se as suas imagens podem estar muito escuras ou muito claras.

Acertar o contraste é difícil. Tome muito cuidado para não exagerar no contraste, já que este é um erro muito comum. Você também não deve adicionar a mesma quantidade de contraste a cada imagem, porque a quantidade de contraste necessária depende da iluminação da cena. Eu notei ambas estas tendências em fotógrafos que usam muito ou pouco contraste. Às vezes isto é culpa do monitor, mas outras vezes a culpa é do fotógrafo

Veja Mais em http://fotodicasbrasil.com.br/

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Embalagens Criativas #2

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Para se inspirar, Nada melhor do que ver bons trabalhos. Abaixo, você alguns exemplos muito criativos e funcionais de embalagens.

 

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A incrível arte de Manohead

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MH

 

Natural de Garopaba – SC, Fabrício R.Garcia, o Manohead como é conhecido, iniciou a desenhar na infância, onde teve seu irmão mais velho como referência.

Sua linha de trabalho passa por diversas técnicas, desde as mais tradicionais como a xilogravura até as mais modernas como a pintura digital. A essência do trabalho de manohead, vem do seu olhar acurado e expressivo, o que o faz um artista diferenciado.

Com técnicas apuradas, o Manohead já faturou inúmeros prêmios e participações em salões de humor no Brasil e no mundo. É o caricaturista mais premiado de Santa Catarina, com mais de 30 prêmios no currículo.

Tivemos a oportunidade de conversar um pouco com o artista, veja como foi:

 

PD: Quando começou a se interessar por arte?

MH: Tenho contato com arte deste a infância, lembro que aos 6 anos de idade eu já desenhava dinossauros e nunca mais parei de rabiscar desde então. Interesse é algo passageiro, necessidade é algo constante, me vejo nesta constante necessária de fazer, ver e sentir arte no dia dia.

 

PD: Quais são os altos e baixos de ser um artista visual?

MH: São poucos os brasileiros acostumados a “consumir” arte. não somos educados para este fim. Desde a iniciação escolar, temos uma mentalidade fechada para as exatas e linguas, deixando de lado matérias de extrema importância para o desenvolvimento cognitivo como arte e filosofia, não a toa as pessoas acabam por desvalorizar ambos. Qualquer artista em iniciação acaba sofrendo e muitas vezes desistindo no meio do caminho por falta de recursos. Vivemos em um pais com altas taxas de impostos e a falta de fluxo de venda de trabalhos acabam por ceifar o empenho de qualquer um.

 

PD: Quando precisa criar, prefere partir para o meio digital, ou diretamente o tradicional?

MH: Gosto de trabalhar com vários meios, desenho, óleo, acrílico, xilogravura, calcogravura, digital enfim, vários… O medium e o suporte são apenas uma ponte entre o pensamento criativo e a obra finalizada. Quanto maior a variedade de “técnicas” e materiais o artista dominar, maior será seu leque de possibilidades diante sua criatividade.

 

PD: Quais são os maiores desafios para se obter reconhecimento no mercado atual na sua opinião?

MH: O maior desafio está na falta de busca da própria pessoa. Vivemos em um momento “fast food” onde tudo vem muito rápido. Para quem está iniciando é normal ver que etapas são puladas com a maior normalidade, mais pra frente, essas etapas acabam por fazer falta. Existe um despreparo generalizado, a maioria dos que sonham em entrar no mercado não se preparam adequadamente, querem “aprender “muito rapidamente sem realmente se esforçar por aquilo.

 

PD: Para os jovens ilustradores e Designers que tem que passar pelo não reconhecimento apropriado por parte dos clientes, qual a sua dica?

MH: Um NÃO sincero é o melhor remédio para você voltar e receber um SIM convincente. Recomendo a todos que lutem e se dediquem para aprender. Nada vem de graça, só quem se dedica consegue seu espaço com o tempo. Não é algo que vem de uma semana para outra. Contatos de maneira geral levam tempo para serem feitos, pois isso é como uma rede interligada, você acaba fazendo um trabalho bem feito para alguém que acaba por indicar você para outro editor.

 

PD: Como foi lidar com o seu primeiro cliente grande?

MH: Foi algo normal, fiquei muito feliz por ser contactado. Se eles me procuraram foi porque gostaram do meu trabalho em meu portfólio virtual. Autoconfiança é fundamental para desenvolver trabalhos editoriais. Não devemos desvalorizar nosso potencial, devemos ser nosso maior fã sempre!

 

PD: Quanto aos pedidos dos clientes, é difícil lidar com pedidos de alteração?

MH: Normalmente é enviado um esboço preliminar para o cliente avaliar, estando tudo certo é iniciado o processo de finalização. Caso tenha alterações a serem feitas, refaço e envio novamente o esboço para uma nova avaliação.

 

PD: Quanto a criação, o visual é mais importante do que ser funcional?

MH: Digamos que para um visual ter resultado ele precisa ser funcional. Um trabalho visual bem feito é funcional, se o objetivo é atingir objetivos uma mescla de ambos é o essencial.

 

Veja abaixo um pouco do trabalho do grande Manohead.

Para entrar em contato com ele e ver mais de seu trabalho visite www.manohead.com/

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web Design | TRANSIÇÕES E ANIMAÇÕES

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Durante muito tempo o CSS só serviu para pintar quadradinhos e mais nada. Desde quando o pessoal do WaSP organizou todo o movimento dos Padrões Web fazendo com que todos os desenvolvedores, fabricantes de browsers e até mesmo o W3C acreditassem no poder dos padrões não houve grandes atualizações no CSS. Praticamente formatávamos font, background, cor, tamanhos e medidas de distância e posição.

O básico: propriedade transition
A propriedade transition é praticamente auto-explicativa. Sua sintaxe tão simples que talvez até dispense explicações mais elaboradas. Vamos começar com o código abaixo:

a {
color: white;
background: gray;
}
No código definimos que o link terá sua cor de texto igual a preta e seu background será cinza.

O resultado esperado é que ao passar o mouse no link a cor do texto seja modificada, mudando do branco para o preto e que a cor de background mude de cinza para vermelho. O código abaixo faz exatamente isso:

a {
color: white;
background: gray;
}
a:hover {
color: black;
background: red;
}

O problema é que a transição é muito brusca. O browser apenas modifica as características entre os dois blocos e pronto. Não há nenhuma transição suave entre os dois estados.
Podemos fazer a mudança de um estado para outro utilizando a propriedade transition. Suponha que ao passar o mouse, as mudanças acontecessem em um intervalo de meio segundo. Bastaria colocar a propriedade transition no a:hover e pronto. Ao passar o mouse, o browser modificaria as características do link com uma pequena transição de meio segundo. O código seria como se segue abaixo:

a:hover {
color: black;
background: red;
-webkit-transition: 0.5s;
}

Dessa forma a transição apenas acontece quando o hover é ativado. O problema é que ao tirar o mouse, o browser volta bruscamente para as características iniciais. Para modificar isso basta inserir também a propriedade transition no estado inicial.

a {
color: white;
background: gray;
-webkit-transition: 0.5s;
}
a:hover {
color: black;
background: red;
-webkit-transition: 0.5s;
}

O que a propriedade transition faz é comparar os valores das propriedades em comum entre os dois estados do link ou de qualquer outro elemento, assim ela modifica suavemente os valores quando há a ativação da função. Esta é uma técnica simples e que serve para manipularmos transições básicas como cor, tamanho, posição etc.
Agora suponha que em um bloco há uma determinada propriedade que no outro bloco não há, como no código abaixo:

a {
border:1px solid orange;
color: white;
background: gray;
-webkit-transition: 0.5s;
}
a:hover {
color: black;
background: red;
-webkit-transition: 0.5s;
}

Nesse caso o browser detecta que há uma propriedade no primeiro estado, mas não no segundo, por isso ele não faz a transição desta propriedade, apenas das propriedades em comuns.
Abaixo veja o código. copie em um arquivo HTML e veja o efeito:

<!DOCTYPE html>
<html lang=”pt-br”>
<head>
<meta charset=”utf-8”>
<title>CSS Transition</title>
<style type=”text/css” media=”screen”>
a {
color:white;
background:gray;
-webkit-transition: 0.5s linear;
}
a:hover {
color:black;
background:red;
-webkit-transition: 0.5s linear;
}
</style>
</head>
<body>
<a href=”#”>Link! Hello World!</a>
</body>
</html>

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A Incrível arte de Bruno Castro

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Entrevistamos Bruno Castro, um ilustrador talentosíssimo que vem com seu traço animado e descontraído fazendo trabalhos muito criativos. veja como foi:

 

Primeiro design: Quando começou a se interessar por arte e ilustração?

Bruno: Não sei ao certo quando, mas desde muito pequeno já desenhava bem.
 
PD: Quais são os altos e baixos de ser um artista visual?

Bruno: A coisa ruim de ser artista no Brasil é que muitas pessoas daqui não valorizam o trabalho, e que no começo de carreira é quase impossível de se manter. O bom de ser um artista “ilustrador” é quando seu trabalho começa a ser valorizado, e você ver suas ilustrações em lugares, produtos e etc…

PD: Quando precisa criar, prefere partir para o meio digital, ou diretamente o tradicional?

Bruno: Eu utilizo os dois meios, quando preciso trabalhar e não estou com a mesa digitalizadora, eu não vejo problema em utilizar um um lápis e papel, mas para finalizar o trabalho sempre é digitalmente, por que passa uma aparência mas limpa para o trabalho. (ilustração)

PD: Quais são os maiores desafios para se obter reconhecimento no mercado atual na sua opinião?

Bruno: Pelo fato de existir muitas pessoas que desenham, e que não valorizam o seu trabalho, cobram preços muito baixo. Isso faz as pessoas desqualificar quem realmente é profissional aqui no Brasil.

PD: Para os jovens ilustradores e Designers que tem que passar pelo não reconhecimento apropriado por parte dos clientes, qual a sua dica? Como foi lidar com o seu primeiro cliente grande? Quanto aos pedidos dos clientes, é difícil lidar com pedidos de alteração? Quanto a criação, o visual é mais importante do que ser funcional?

Bruno: No começo é normal não ser reconhecido, sempre aparece clientes que prometem divulgação, e isso não é uma boa. Nunca aceite um trabalho em troca de divulgação, por que os clientes costumam sempre vim por indicação de outros clientes satisfeitos. Quando você aceita divulgação o seu trabalho sim é divulgado, mas é divulgado para crianças de 12 e 13 anos, para pessoas que não tem nada haver com ilustração ou publicidade. Lidar com meu primeiro cliente grande deu um estimulo a mais para seguir em frente, a dica é: Pelo fato de ser uma empresa grande costumamos pensar em cobrar valores inimagináveis, e não é para ser assim, devemos cobrar sim um belo valor, mas não tão alto. E o outro problema é achar que agora que fez um trabalho para um cliente grande, você pensa em só cobrar aquele valor, e não é assim, você não pode cobrar o padeiro algo que você cobra a uma multinacional, entende?! Eu não tenho problemas com a alteração, costumo começar o trabalho apenas quando os 50 % forem depositados, então assim envio rascunhos para análise do cliente, ele aprovando eu dou continuidade ao projeto, então ele já fica ciente do que esta sendo feito. Visual é importante sim, e com certeza é mas importante que velocidade. Mais se você conseguir unir visual com velocidade é muito melhor.

 Veja abaixo alguns dos trabalhos de Bruno Castro

Você pode ver mais no site : www.ilustradorbrunocastro.com.br

e no facebook  de  Bruno Castro

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Princípios gerais da criatividade

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No campo da criatividade não há regras fixas, a não ser o conhecimento profundo do produto, de seus concorrentes, do mercado e do consumidor. Dessa constatação nascem os princípios gerais que a seguir serão analisados.

Prender a atenção

Com exceção das crianças, as pessoas atentam pouco para a propaganda. Por isso é tão importante que o anúncio prenda a atenção desde o primeiro momento.
Em televisão, por exemplo, está demonstrado que um spot consegue atrair a atenção do espectador durante os primeiros cinco segundos, ou nem isso. E o mesmo acontece com os outros meios de divulgação. Se a manchete ou a ilustração de um anúncio nos jornais ou revistas não consegue captar imediatamente a atenção, o leitor virará a página sem ter lido.
É evidente que a força de comunicação de uma ilustração está em sua capacidade de prender a atenção de imediato.

Buscar o destaque

As pessoas estão sobrecarregadas e intoxicadas pela propaganda. Basta ver a televisão, ouvir
o rádio, folhear o jornal ou as revistas, andar pela rua, ir a um cinema, entrar num supermercado, ou abrir as caixas de correio para comprová-lo. Isso significa que é imprescindível buscar o destaque, não só com relação aos produtos competidores, mas também com relação às demais campanhas publicitárias.
E é mais rentável destacar-se fazendo alguma coisa diferente, do que simplesmente investindo
mais. Portanto, é necessário inovar, evidentemente de forma relevante e pertinente para o produto.

 

Pensar no simples

A propaganda não dispõe, geralmente, nem de muito tempo, nem de muito espaço: os anúncios de televisão medem-se em segundos e os da imprensa em centímetros. Por isso a campanha mais efetiva é a que segue a regra de quanto mais simples, melhor.

 

Persuadir com paciência

A propaganda é antes de tudo persuasão. A campanha deve convencer o consumidor das
vantagens físicas ou emocionais do produto. Pode-se mudar a atitude das pessoas, mas nem sempre com sermões de vinte segundos. A persuasão exige tempo, geralmente maior do que aquele empregado para ler 30 ou 40 palavras.

Ser memorável

As pessoas confundem muitas ideias parecidas, e depois não se lembram bem de nenhuma.
A pesquisa prova que, em setores de forte investimento, as pessoas recordam algumas marcas e slogans, mas confundem-os, às vezes, entre si. Isso significa que, muitas vezes, se está fazendo propaganda em benefício de um competidor, ou no melhor dos casos, do setor em vez do produto.
É preciso criar anúncios memoráveis, que possam ser recordados até bastante tempo depois, e que a relação marca-slogan seja inseparável.

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PAINEL RGB QUE ALTERA O TEXTO CONFORME A LUZ

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Um painel com uma única impressão, mas que muda a informação conforme a luz. Na verdade as informações já estão ali em cores diferentes, e ao alterar a cor da luz, a mensagem muda. O melhor é ver para entender melhor. Sensacional. A criação fica por conta da agência Thjnk e o estúdio I Made This para a IKEA.

visto no S/Casca

 

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O processo criativo – deixe a mente solta para produzir

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O potencial criativo é inerente ao ser humano, é produto de sua inteligência. A inteligência por sua vez é a faculdade de conhecer, aprender e compreender o mundo que nos rodeia. O conhecimento e a compreensão advêm da informação e da observação. (LUPETTI, 2003, p. 68)

Walt Disney disse, certa vez, que criatividade é como ginástica: quanto mais se exercita, mais forte fica.

Um determinado estímulo produz uma ideia. Um outro, ou uma combinação de estímulos pode produzir outras ideias, e assim sucessivamente. É o processo de associação de ideias. O processo criativo busca estabelecer, essencialmente, essa associação de duas ou mais impressões antigas para produzir uma ideia nova. (SANT’ANNA, 1998, p. 150) Todos nós somos criativos (mesmo aqueles que não acham isso) e essa afirmação é facilmente comprovada: se pararmos por um instante e buscarmos, em nossa memória, a história de nossas vidas,
encontraremos uma conversa com amigos, ou em um almoço de família ou um outro ambiente qualquer, uma frase ou uma ação inspirada que nos ajudou a resolver um problema.
Podemos entender de uma maneira simples que a criatividade é encontrar novos caminhos que liguem elementos já conhecidos e, quanto mais elementos conhecermos, menor é o caminho que os interliga. Exemplo: quanto mais informações se absorvem sobre um determinado produto, ou serviço, mais fácil se torna o processo criativo, uma vez que identificando esses elementos que os compõem (cor, embalagem, pontos positivos, valor da marca etc.) mais fácil fica de acharmos algo que mereça destaque para ser divulgado por meio de uma imagem ou slogan.

De uma maneira genérica, podemos sintetizar o processo criativo da seguinte maneira: o desejo pode ser a identificação de um problema e a vontade de resolvê-lo. A preparação é justamente o fator que alimenta a criatividade, já que se trata da fase na qual se dedica um período para estudar o problema e seu ambiente, adquirir mais informações sobre o tema.

A criação é a capacidade de reinventar algo, ou explorar uma realidade conhecida por um ângulo novo e, claro, expressar a descoberta por meio de um código de comunicação. Ainda no subconsciente e com a mente trabalhando a mil por hora, surge a primeira solução
para o tema (Eureka! É isso! Como não havia pensado nisso antes…), ou seja, estamos na fase da iluminação, onde conseguimos traçar o caminho interligando os dados que foram adquiridos e, com isso, a solução dos nossos problemas. Porém, vale ressaltar que essa solução está no plano subconsciente e é necessário anotarmos todas as ideias que estão surgindo ou não conseguiremos lembrar depois (é aquela situação de que a resposta está na “ponta da língua”, mas não conseguimos lembrá-la).

Se você se interessou pelo assunto, leia mais no livro Publicidade e Propaganda de Márcio Carbaca Gonçalez

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Home Offices para se inspirar

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trabalhar em casa é uma tendência que aumenta a cada ano, e já é uma realidade para muitos designers. Devemos sempre ter inspiração no trabalho, e o bom é que, em nossa própria casa, podemos deixar o escritório como quisermos. nosso parceiro 100% Design listou alguns Home Offices criativos que estão listados abaixo.

 

Visto no 100% Design.

 

 

 

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Clássicos da Disney recoloridos com técnicas 3D

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Tyson Murphy é ilustrador e designer de personagens da produtora de jogos Blizzard, e em uma série de trabalhos ele nos mostra como seriam alguns clássicos da Disney se fossem feitos hoje em 3D. Utilizando alguns softwares de manipulação de imagem, como o Photoshop, o artista traz luz, profundidade e dimensão a essas imagens icônicas.

Leia o post completo no Designine http://www.designine.com.br/2014/11/classicos-da-disney-re-coloridos-com.html#ixzz3PCx0K6pd

Fonte original: Designine © 2014

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